El venue donde se llevara a cabo durante 31 días consecutivos el festival será el Centro de Arte Roundhouse, con presentaciones de 62 artistas y agrupaciones como: Foo Fighters, Coldplay, Moby.

Acá la página oficial del evento: http://www.itunesfestival.com/

La historia nos ha demostrado – por desgracia – que en nuestro país  el plagio es una práctica a la que regularmente se recurre. Existen claros ejemplos, como aquella campaña publicitaria del gigante de telecomunicaciones estadounidense sprint, que fue copiada por telcel (http://alt1040.com/2009/10/telcel-copia-publicidad-de-sprint), o la cínica y vulgar copia que hizo Thalia en su álbum Lunada a la tapa del disco Bright Like Neon Love de Cut Copy (http://de10.com.mx/detalle1315.html), o peor aún, la porquería hecha por Alejandro Fernández en su video Eres, donde  es innegable la “calca” realizada  del video Weapon of Choice de Fat Boy Slim (http://noyodecia.com/2008/05/05/alejandro-fernandez-vs-fatboy-slim/). Son trabajos que desafortunadamente nos harían pensar en la falta de creatividad y talento mexicano.

Sin embargo, la historia también nos ha brindado grandes exponentes con altas dosis de ingenio. Llegaba la década de los 80’s, y con ella, su fluorescencia, el despunte de la industria del peinado alto gracias a los excesos de fijador, la euforia por The Cure, U2 y Depeche Mode.  Para ese entonces un grupo de músicos conformados por Armando Suarez en el bajo, mandolina, guitarra acústica y voz, Carlos Alvarado en los teclados, Jorge Reyes en la flauta, guitarra y voz, Mauricio Vieleto voz principal violoncelo y guitarra acústica y Carlos Castro en la batería y percusiones e influenciados por la avanzada del progresivo de los años 70’s como: Genesis, Pink Floyd, King Crimson y Yes, se reuninieron para formar a una de las bandas mexicanas más  infravaloradas en la historia de la escena musical mexicana, pero irónicamente, también ha sido una de las bandas con una de las propuestas mas interesantes: Chac Mool. Pilar, y uno de los pocos exponentes de rock progresivo mexicano, de la cual, su música ha trascendido a través de los años, debido a su calidad musical de tintes prehispánicos y creatividad lírica, llevándonos por espesos, fantásticos y profundos mundos (propias del rock progresivo).

Su primer álbum titulado “Nadie en especial”, es en su totalidad una oda al mundo “moderno”, y a la carencia de sensibilidad humana que conlleva esa “modernidad”.  Pues bien, así es como realizan también un gran homenaje al escritor  británico Aldous Huxley de su obra “Un Mundo Feliz”(1932), siendo este mismo, el titulo del track que nos da la bienvenida al viaje(que para quienes no hayan leído la obra, deben saber que se enfoca hacía un ordenamiento y control mundial, regido por una sola fuerza que controla en todos los niveles a la población, desde la producción de los mismos seres humanos determinados a actividades especificas, hasta inferir la tergiversación de la realidad con el suministro racional de una droga universal). La travesía continua con: El Visitante, donde relata la bienvenida de un ser extraterrestre, junto con precisas instrucciones para sobrevivir en la Tierra. Aymara, una amalgama de elementos prehispánicos, tanto musicales como líricos. Nadie en especial, Invoca el sentimiento de soledad y abrumador anonimato que viven los ciudadanos en las grandes urbes a pesar de vivir entre millones de personas. Salamandra, La canción más espesa del disco, con    una letra mística nos muestra el legado que tal vez pudo haber dejado en una banda como Tool. El día en que murió el rey Camaleón, la pieza más larga de está, su primer producción, nos remonta a una época medieval, invadida de juglares y mucho terciopelo carmesí. Y para al final, como despedida, cierra el disco la grandilocuente y de aplastante título: Bienvenido al fin del mundo. Un relato apocalíptico del fin del mundo en las manos de los círculos del poder. Una producción redonda, la cual tal vez, podría encontrar su única continuación en una musicalización de el descenso de Fausto al inframundo.

Radiohead, Beastie Boys y Bjork. Considero que esta triada encaja perfecto dentro de esta definición de artistas (musicales, visuales y conceptuales) progresistas. Bien, de Radiohead he escrito bastante (casi en cada oportunidad que tengo) por lo que esta vez intentare ser breve. Mucho se ha dicho acerca de la revolución que incitaron con la distribución digital de su más reciente disco “In Rainbows”, que aunque cierto, no fueron los primeros, bien tuvo a ser una banda de este calibre la que utilizara dicha mecánica, para que por fin se volcara nuestra atención hacia  dicho fenómeno.  La evolución de su música es abismal. Podemos escuchar el demo “Maniac Hedgehog “, hasta su más reciente álbum “In Rainbows” para comprobarlo. La experimentación y fusión de géneros como el jazz, electrónica, dub, rock y música clásica; implícita con una libertad creativa, los ha llevado por derroteros escabrosos, espesos y asfixiantes. Guardianes del desasosiego, compañeros lúgubres de melodías funestas, éxtasis idílico. El quinteto de Oxford se ha promulgado como el estandarte de toda una generación, y no solo me refiero de seguidores, sino de músicos.

El disco “Hello Nasty” de los Bestie Boys fue el primer CD que compre, tal vez en parte por eso les guardo un cariño entrañable, aunque no todo mi respect corresponde solo a ello. El legado del trio de MC’s originario de Nueva York, es innegable, y un parte aguas desde su origen. En sus inicios, a eso de sus 13 o 14 años de edad, su música se inclinaba hacia el hardcore punk,  pero la amalgama principal dentro su  larga labor musical ha sido el hip hop, fusionándolo con hard rock, metal, psicodelia, funk, jazz, punk, música instrumental y hasta tropical.

Siendo el hip hop un género exclusivo de los negros desde sus orígenes, este trió de blancos supo abrirse brecha alejándose de los clichés y temas recurrentes dentro de este, o haciendo en muchas ocasiones sátira de ello.  Me refiero a que en sus inicios esta música (como muchas otras) fue un estandarte de protesta contra la segregación racial que sufren y han sufrido los negros en Estados Unidos. Agrupaciones como NWA, Run DMC, Grandmaster Flash, Public Enemy y Afrika Bambaataa principalmente, imprimían este sentido de protesta y rebelión en sus letras, volviéndose portadores de la voz de millones de personas por todo E.U. y el mundo entero. Después el género resulto redituable para las disqueras, y  comenzaron a banalizarlo, dando origen a bodrios como, (la mitad de su carrera de) EMINEM, 50 Cent, Chingy y un largo etc, que no salen de mostrar solo a mujeres semi desnudas (y no es que este mal, pero ya chole también) y mucha dosis de blig bling, dejando a un lado la esencia de protesta, convirtiéndose en alguna vertiente de hedonismo per se. Las raíces de los BB son totalmente distintas, su bagaje cultural, social y cultural distan mucho a la de sus congéneres musicales. La adición de instrumentos “provenientes” del rock, llámese guitarra, batería y bajo, así como su maestría a la hora de ejecutar samplers y scratcheos motiva una amplia gama de ritmos en su sonido. Fuera de las condecoraciones logradas en batalla, la trascendencia de la banda  es proporcional a su aporte.

La textura de su voz, su experimentación musical, así como su presencia en los escenarios, ataviada de los más extraños y fluorescentes atuendos en perfecta armonía con maquillaje futurista, aunado al  aura freaky que la polariza, convierten a Bjork una artista tan singular como disímbola y hasta profética.

Durante el Festival de Coachella en 2007, fue la primer músico que ejecuto y acoplo su repertorio musical hacia un nuevo instrumento musical llamado “reactable”. Mismo que utilizaría a lo largo de su gira Volta. Otro punto interesante de su carrera fue la grabación de su quinto disco, Medulla. Este significo una forma diferente de crear música. Creado sobre una total desnudez, con miras hacía una introspección de la autora. Cualquier tipo de instrumento fue desechando, hasta construirlo a capella con la ayuda de beatboxers, cantantes guturales y coros que inundaron la habitación. La crítica lo tomo con mucha mesura, en realidad nadie sabía lo que estaba escuchando, nadie le entendía.

El arte que envuelve todas sus producciones, así como la estética de sus videos, donde ha hecho gran mancuerna con los mejores directores, como Michel Gondry, Chris Cunningham y Spike Jonze, reflejan de manera ideal el concepto de sus canciones. Como muestra (uno de los mejores videos musicales de la historia) tenemos la gran oda al amor que es  “All is Full of Love”, dirigido por (el  también menteretorcida) Chris Cunningham

Si nos enteráramos que Bjork proviene de otro planeta,  y que llego en la misma nave que Thom Yorke, Richard D. James, Trent Reznor y Wayne Coyne, el impacto no sería mayúsculo, bien, al contrario asentaríamos y muchos exclamaríamos: ¡Ya lo sabía¡

Segunda Parte:

Flaming Lips, Aphex Twin, Trent Reznor

Dir. Martin Scorsese

Es bien sabido que el sello de Scorsese es la onda gangsteril, pero la onda juegoconsusmentesondalost no la había manejado hasta hoy con Shutter Island. La estructura de la historia, si se observa desde cierta distancia y de forma lineal,  no resulta tan complicada, pero el ritmo al que se desarrolla y la confusión que provoca trasponiendo los tiempos y eventos, se vuelven la sal y pimienta, dándole el sentido y la dirección retorcida  con la que transcurre hasta casi la última toma, manteniendo expectante al auditorio hasta esta instancia.  El chico Scorsese, Leonardo Di Caprio, realiza un trabajo muy aceptable, encarnando al  personaje principal, el Marshall Teddy Daniels, al igual que Mark Ruffalo (Eternal Sunshine of the Spotless Mind)  y Ben Kingsley (Artificial Intelligence: AI) interpretando a Chuck Aule y al Dr Cawley respectivamente. Con Shutter Island, el suspenso, lo perturbante y siniestro están garantizados.

Where the wild thins are (Donde viven los monstruos)

Dir. Spike Jonze

Bien. Después de toda la controversia provocada acerca de si la traían o no a México, por fin, desde el pasado 2 de abril “Donde viven los Monstruos” se proyecta en las salas de nuestro país. La historia se basa en un pequeño cuento infantil escrito por Maurice Sendak de no más de veinte páginas, y sobre el cual Spike Jonze decidió explorar todo este pequeño universo para plasmarlo desde su (tan reconocida como retorcida) visión al celuloide. Las opiniones están muy divididas en dos vertientes, los que de plano dicen que no le entendieron, y aquellos que dicen es tierna y entrañable. Pero hay dos puntos en los que coinciden todos: Grandes efectos de animación y que no es una película en definitiva para niños (por irónico que parezca).

Desde el año pasado, cuando empezaron a rotar los avances del filme, se evidencio la textura de una tierna historia, con paisajes, personajes y locaciones, dignos solo de la ligera e inocente mente de un infante.

The imaginarium of Dr Parnassus (El imaginario mundo del Dr Parnassus)

Dir. Terry Gilliam

Un poco antes de correr los créditos hacia el final de la película, aparece el mensaje: “Una película de Heath Leadger y sus amigos”. La muerte del histrión ocurrió en el curso de la filmación, pero ni así la imaginativa historia narrada por Terry Gilliam se ve trastocada en lo más mínimo, sino que tuvo a bien hacer unas “pequeñas” adaptaciones que lo llevaron a incluir en el reparto a Jhonny Deep, Jude Law y Colin Farrell para poder concluir con la cinta. Lo que incluso retuerce aún más la historia y la refuerza.

Como parte también del reparto tenemos a Tom Waits, personificando al mismísimo Señor de las Tinieblas quien induce al Dr. Parnassus a apostar por la pertenencia de la hija de este último. La apuesta es obtener el alma de cinco personas, así el primero que lo logre será el triunfador. La creatividad de Gilliam nos lleva a través de mundos fantásticos originados en la cabeza de cada uno de los personajes, quienes al atravesar el espejo místico del Dr Parnassus se ven inmersos en su universo construido de sus más profundos temores y deseos. La fórmula es perfecta: un gran director, una historia alucinante y un gran reparto.

El pasado sábado 6 de marzo, despertamos con la desagradable y triste noticia de que Mark Linkous, uno de los integrantes de Sparkelhorse se había suicidado  fuera  de  la casa de uno de sus  amigos en Knoxville. Sin duda, una lamentable y sensible pérdida dentro del mundo musical. Mark trabajo hombro a hombro en la producción del último disco de Sparkelhorse con el reconocido músico y productor Danger Mouse; otrora productor de los exitosos álbumes “The Grey Album” de Jay –Z, “St. Elswere” de Gnarls Barkley  y “Demond Days” de Gorillaz. Y quien actualmente encabeza un nuevo proyecto junto al vocalista de The Shines , James Mercer. “Broken Bells”  es el nombre de la naciente agrupación, así como  de su homónimo primer álbum, y del cual se desprende, “The High Road,  llevando el estandarte como el primer y digno representante del compendio de las diez piezas que comprende este novel álbum debut.

La canción es entrañable. Con una métrica perfecta, dulces coros (que de seguro van directito a alimentar el lado “suavecito” de nuestro ser) y una base de batería  (que toca  el mismo Danger Mouse) y sintetizador tan firme como precisa; la convierten en una  canción de pop fino y melódico que se adhiere al oído como chicle motita en el cabello.  La fórmula se repite a lo largo del disco, dando en su conjunto, el mismo afable resultado

Es inevitable las comparaciones con “The Shines”, siendo la misma voz, podemos decir que la influencia está ahí, solo que con dos rayitas más de beat patrocinadas por el “Ratón Peligroso”.

Durante estas dos ultimas semanas, uno de los temas más recurrentes en el ámbito musical has sido el nuevo material de Gorillaz, titulado “Plastic Beach”. El nombre, según el propio Murdoc, proviene de una playa de plástico que el mismo compro y en la que monto el estudio de grabación donde crearían el tercer álbum de la animada agrupación.

Para “Plastic Beach” hicieron a un lado ese dejo lúdico e infantil que los caracterizo en su primer disco. Ahora se han preocupado más por explorar nuevo terrenos. Y aunque uno de sus sellos es el hip hop, en está ocasión utilizan también elementos de música africana, árabe, y de orquesta, apoyados por la colaboración de personalidades como Snoop Dogg, Mos Def, Lou Reed y Mick Jones, para crear la colección de dieciséis canciones que conforman un álbum lleno de diversas tonalidades y ritmos. Algunos pueden decir que es un disco  inconsistente, para otros es un digno proceso de exploración musical. A final de cuentas, cada escucha tendrá su opinión al haber recorrido en su totalidad y con entera disposición está playa plástica.

Mención aparte merece el video del primer sencillo “Stylo”, en el que aparecen  Murdoc, 2D y una androide de Noodle (la cual construyo Murdoc, debido a que la oriental guitarrista desapareció y hasta el día de hoy se desconoce su paradero) en una excelente persecución de motores, digno homenaje, a “Vanishing Point” y “Death Proof “ (cinta de Tarantino inspirada también en Vanishing Point). Un Bruce Willis en su rol de hard men, animación de los personajes en 3D perfecta, lo convierten en un producto multimedia legendario.

Hoy martes 9 de marzo,  sale a la venta el sexto y más reciente álbum de está banda norteamericana. Para aquellos que no los han escuchado se los recomiendo ampliamente.  Su sonido garage se renueva en cada entrega y para “Beat the Devil’s Tatoo” no es la excepción.

En la pagina oficial de la banda http://www.blackrebelmotorcycleclub.com/,  se pueden pre-ordenar dos paquetes especiales, que incluyen merchandising creada especialmente para el lanzamiento del álbum:

Paquete #1 Disco en formato mp3, playera, cd y vinil

Paquete #2 Disco en formato mp3, playera, cd, vinil, sudadera y DVD.

Ahora, si no pueden esperar más tiempo para escucharlo, musiteka subió hace unos días el disco (ahí les dejo http://www.musiteka.net/2010/03/black-rebel-motorcycle-club/ ), así que no hay pretextos, la distancia entre escuchar un buen disco y ustedes, ahora  está a solo un click.